Considerando las numerosas posibilidades con las que podemos contar al escribir una crítica y centrándonos en el ámbito del arte, este blog ha nacido para dar cabida a todo tipo de espectadores.
Desde puntos de vista diferentes y en ocasiones incluso enfrentados pretendemos no sólo despertar el interés sino conseguir que, quien lo lea, albergue un amplio abanico donde poder encontrarse sin sentir que es una misma ideología la que caracteriza todo comentario.
Dejamos, por último, una observación de Octavio Paz sobre la crítica del arte "Nada podemos decir sobre un cuadro, salvo acercarlo al espectador y guiarlo para que repita la prueba".
Tristan Réveur (Tristan Soñador en su traducción del francés) era un personaje ficticio dentro de la película “Stay” (titulada Tránsito en España) dirigida por Marc Forster, que tomaba forma en la mente del protagonista, un joven estudiante de Bellas Artes, y que solo de una forma onírica existía en los libros de historia del arte y era un ídolo para los estudiantes por haber promulgado su suicidio a los veinte años como la mayor obra de arte jamás realizada. A través del protagonista se nos acerca una bonita reflexión que Tristan Réveur había hecho sobre el arte malo antes de suicidarse. Dice así: “El arte malo es trágicamente hermoso, pues documenta el fracaso humano”.
Es esta película y la frase de Tristan Réveur lo que me vino a la cabeza cuando me encontré con la página web del MOBA (Museum Of Bad Art). Es un museo que desde 1994 colecciona obras de artistas o aficionados al arte que ellos consideran como obras verdaderamente malas, y las muestran al público. No estoy seguro del motivo que les llevó a hacer esto, pero desde luego la reflexión que antes citaba es un bonito motivo para hacerlo.
Aquí muestro algunas de las piezas de coleccionista que están disponibles en el MOBA.
Cuando éramos niños nos encantaba pasar las páginas de un libro e ir descubriendo personajillos diferentes que quisieran compartir a nuestro lado minutos de fantasía. Y si en una de las páginas faltaban los dibujos buscábamos ansiosos la siguiente para dar forma a los protagonistas de nuestra imaginación. A todo esto me remite el ilustrador americano Dan May, quien combina el ensueño y la fantasía con cierto aire melancólico, haciendo de sus pinturas todo un universo surrealista donde recrearnos. Ha expuesto en galerías de Los Ángeles, San Francisco, Santa Mónica, en Art Basel en Miami…
La creación de texturas aporta a cada pieza un ambiente especial, una suavidad que casi nos lleva a querer entrar en su mundo. Pero esto no acaba aquí, lo interesante del artista es su particular manera de representar las relaciones humanas basándose en criaturas ficticias. A través de la observación personal y su visión del comportamiento humano, sus personajes cobran vida.
Además de su página personal; http://dan-may.com/, es escasa la información que encontramos en la red sobre el joven artista. Esto nos da una idea de lo complicado que es llegar a ser conocido en un mundo donde la explosión de imágenes e información se interponen muchas veces cuando pretenden vendernos solamente ciertos productos. Pero estamos aquí para usar nuestros medios, para aprender a buscar y encontrar otras maneras de ver el arte, luego podremos decidir si nos interesa o no. El blog Mira y Calla (http://miraycalla.blogspot.com/) es uno de esos medios, allí encontramos todo tipo de artistas dedicados a la fotografía, la ilustración, el arte digital y muchas más curiosidades de las que quizás no tengamos constancia. Dan May compartió el mes pasado una entrada en el blog con otros creadores.
Lo importante en este caso no es únicamente conocer al autor y su obra, si no formularnos la siguiente cuestión; ¿qué es lo que interesa en la difusión del arte? Podríamos poner varios ejemplos de artistas que quizás no han sido tenidos en cuenta lo suficiente, u otros tantos a los que haya sucedido lo contrario. Se trata de saber venderse, de estar en el momento adecuado en el lugar adecuado, con la obra adecuada dispuesto a dar el salto. Desde luego no hay ningún inconveniente por ello, es aplaudible el saber estar y más aun el conocer cada secreto del éxito. Nuestro trabajo no consiste en encasillarse en una única dirección, si no posar la atención en otro tipo de artistas que, a su modo, evocan sensaciones y aportan un mensaje que no deja de ser novedoso, quizás únicamente tengamos esforzarnos en buscar por otras vías.
http://dan-may.com
-sara-
domingo, 25 de abril de 2010
NINJA!!
Estaba deseando que llegase este momento: Die Antwoord, nuevo grupo musical y revelación artística.
Creo que con el paso del tiempo la denominación “friky” ha perdido su significado inicial, ¿qué se entiende generalmente por un friky?, ¿Una persona que se pasa doce horas al día frente al ordenador interesándose por los temas más dispersos y menos productivos?, retrocedamos diez años, entonces un friky será una persona que emplea todo su tiempo en el estudio, se emociona con la ciencia ficción y es antisocial. Pero el significado de origen es “freak”, monstruo en inglés; es aquella producción que está en contra del orden regular de la naturaleza, un término para cualquier caso de criatura fantástica o legendaria que causa espanto. También es un término ambivalente que sirve para indicar a aquellas personas que realizan o han realizado acciones monstruosas de gran envergadura, ya sea en ámbitos positivos o negativos. He aquí nos hemos topado con freaks de verdad. ♥ ♥ ♥ ♥ ♥ Desde Sudáfrica, Die Antwoord, (La Respuesta en afrikaans) son un trío formado por Ninja, Yo-Landi Vi$$er y DJ Hi-Tek, con colaboraciones esporádicas de otros músicos como DJ Leon Botha, que padece síndrome de progeria, una extraña enfermedad genética que padecen 1 de cada 8 millones de recien nacidos, caracterizada por el envejicimiento prematuro y con una esperanza de vida de 13 años aproximadamente; Actualmente Leon Botha es uno de los supervivientes a esta enfermedad más longevos, tiene en la actualidad 24 años. su faceta artística no se limita al turntablism ya que su obra en cuanto a pintura es bastante prolífica. Recientemente ha posado para el fotógrafo Gordon Clark en un trabajo colaborativo titulado Who Am I? Transgressions donde se exploran las cuestiones del destino y la inmortalidad. Algunos ejemplos:
Su aparición en el videoclip Enter the Ninja es apabullante, acorde con todo el estilo bizarro que envuelve cada uno de los movimientos de este alucinante grupo que en apenas un par de meses han pasado de vicir en los suburbios de La Ciudad del Cabo ha fichar por el poderoso sello Interscope (Lady Gaga, Timbaland). Enter the Ninja:
Desde la aparición de sus primeros videoclips, el grupo sorprendió con una puesta en escena grotesca, entre el espíritu de la 'white trash' (así se conoce a los blancos norteamericanos a los que el sistema del bienestar ha dado la espalada), un erotismo malsano y una estética controvertida.
No son agradables de ver y sin embargo no puedes apartar la vista de ellos, como un accidente de tráfico en medio de la carretera.: DJ Hi-Tek, el productor, es un chico enorme y horondo, vestido como un rapero mal informado que se dedica a NO HACER NADA,NUNCA, cada vez que sale en los medios o en sus videoclips, una vez me dijeron que era como “la Victoria de las Space Girls”, ¿el cerebro del grupo que ni si quiera sabe moverse?, fantástico.Ninja, un hombre alto y desgarbado, con tupé y rapado por los lados, totalmente tatuado, (fijarse detenidamente en cada uno de esos dibujos old school) a resaltar la frase que tiene tatuada en su garganta: “pretty wise” oséase, “muy sabio”, comparte escenario con Yo-Landi, una mujer pequeñísima con una voz de pito que raya lo inhumano, adoradora de sus ratas, deja que correteen libremente por su cuerpo. Un extraño peinado rubio platino, un desinterés enorme por usar el maquillaje para beneficiarse en el sentido más cotidiano, no tiene reparos para enseñarnos a todas y a todos su culo ,(oh, qué novedad, una cantante enseñando “palmito”, ¡pero no!), Yo-Landi rompe con las restricciones que se le suelen imponer a una mujer nada más entrar en el mundo del espectáculo. Yo-Landi no utiliza monísimos vestiditos para dar a entender la suma belleza que encierra su cuerpo. Yo-Landi no tiene reparo, coge y se baja los pantalones, Punto. No se comporta en absoluto como una niña mona debe comportarse, de hecho, la palabra que más se repite en referencia a Yo-Landi es “chalada”, pero esta gente no está loca en ab-so-lu-to. Tienen que tener una clara visión de qué les gusta y cómo conseguir el mejor resultado respetando su estilo: un estilo que erradica en romper con los convencionalismos. No me gusta esa frase porque sabe a rancio de tanto que ha sido utilizada, sin embargo es la primera vez que la empleo en serio desde que en el instituto di las vanguardias históricas; son diferentes, son frescos. Dios los bendiga a todos y ya no pido que perduren, para mí han hecho suficiente, un fogonazo, una bocanada de aire; tengo por seguro de que van a ser los pioneros de un montón de grupos que les sigan la estela, y de una forma de arte que ya ha empezado a formarse en otros medios como el Pop Surrealista en pintura y dibujo. La música!Por fin! Ya tocaba, es una nueva época como lo fue el momento Factory/ Velvet Underground. Un arte que rompe por nihilista, por ese carácter individualista, en el sentido en que sólo respeta el gusto del autor, y profundamente social: pues nace y bebe de la cultura social.Cuando la banda comenzó a arrasar con sus vídeos en Youtube (casi cuatro millones de visitas del clip 'Enter The Ninja'), muchas fueron las voces que denunciaron a los sudafricanos como una campaña de marketing viral, una broma de mal gusto. Zef Side:
En realidad, Ninja es Walkin Tudor Jones, una figura muy conocida de la electrónica y el hip hop underground de Sudáfrica desde finales de los 90, cuyo último proyecto fue el controvertido colectivo Max Normal.
Junto a Ninja y Yo-Landi suele aparecer el Dj Leon Botha, del que ya he hablado antes, que también actúa de artista gráfico y productor. "Cuando estás a su lado es como si escucharas la voz de Dios. Aprovecha cada instante, porque sabe que podría morir en cualquier momento", ha afirmado Ninja sobre él. Su vídeo presentación ,Zef Side, es todavía uno de los más vistos de You Tube, y dio mucho que hablar, las dos opiniones más generalizadas fueron: 1)Es un fake y realmente no hay grupo alguno. 2) Existen como grupo, pero son unos esperpentos.
Sin embargo, al investigar un poco más, uno acaba dándose cuenta de que existe un valor artístico generalizado en todo lo que les rodea, incluyendo sus videoclips y su web-site y que tanto su estilo como su valor musical navegan entre lo creíble y lo prefabricado, lo hortera y lo potencial y genuinamente cool. Entre febrero y abril, el grupo ha hecho una gira por Estados Unidos, que le ha llevado a tocar en el festival Coachella y conocer a David Lynch (otro amante de lo bizarro). Desde entonces, ha aparecido en todas las revistas de tendencias, ha trabajado con marcas como Puma y Jägermeister y el productor Diplo ha manifestado su amor incondicional por ellos.(Yo también quiero manifestarlo.) TaxiJam:
Hasta su compatriota Neill Blomkamp ('Distrito 9') se ha comprometido a grabar su próximo videoclip, y ya hay una película en camino. "Nunca tuvimos ni un pavo y ahora viajamos a Los Ángeles en primera clase y comemos pijadas con gente famosa", ha afirmado recientemente Ninja.
No descarto que no haya nada real en su historia, que todo sea un entramado plan muy bien llevado a cabo por unos niños bien de un mal barrio. Pero no importa nada. Tengo sobrados motivos para defender que hemos presenciado el nacimiento de un grupo, o más que un grupo, una forma de ser, un CARÁCTER, que marca una separación con todo lo visto hasta ahora.
¿Cómo es posible que la muerte, el miedo, la locura estén tan íntimamente ligados al paisaje? De eso hablan algunas de las piezas que Santiago Mayo, un artista gallego nacido en 1965, ha expuesto en importantes galerías e instituciones españolas como la Galería Magda Bellotti o el CGAC de Santiago de Compostela.
En la obra de Santiago Mayo, uno se encuentra una sensibilidad muy personal, muy característica. Unas piezas rodeadas por un aura andrajosa, pero me permito decir que, a la vez, mágica. De alguna manera lo es. Eso sí, la conexión con su obra depende en gran medida de la percha que tenga el espectador. Es fácil conectar con los objetos-paisaje si existe una predisposición cómplice detrás de los ojos. Ese aspecto pobre, casi podría decirse que cutre, nos habla de una posición ética, no solo sensible, hacia un tipo de materiales que no suelen ser comunes en el espacio artístico. Y su pequeño tamaño, que no es habitual en el arte contemporáneo, requiere de una mirada cercana, casi íntima. Es necesario descubrir las texturas, los pliegues, en definitiva comulgar con ellas de una forma diferente a la que está acostumbrado el espectador promedio. Supongo que no es necesario decir que no se trata de un arte espectacular, monumental, que jerarquiza a la obra por encima del espectador. Más bien, lo que parece que Santiago Mayo espera es una relación de tú a tú, pausada, que invite al diálogo y no a la contemplación.
Pequeños paisajes, que atrapan el tiempo reconstruido en un diminuto formato. Están a la espera, a la espera de una presencia que les de sentido, llenos de sabiduría, de complicidad, reposados en unas bonitas peanas.
Desde luego, resulta amable descubrir que la poesía existe, independientemente de los materiales que la den a luz, dentro de las mismas cabezas que muchas veces rozan el absurdo. Es esperanzador que todavía exista la rebeldía, y que exista embadurnada de sutileza.
Alterarte es una asociación de artistas plásticos de Vigo fundada en 2005 con el propósito de promocionar el arte gallego actual. A partir de la organización de actividades culturales (exposiciones, ferias, espectáculos, conferencias etc) se interesan por difundir la creación de los artistas gallegos más actuales así como de enriquecer el ambiente artístico- cultural gallego. Su principal característica es la celebración anual de una Feria de Arte Contemporáneo Gallego, donde, sin olvidar otras muchas exposiciones, dan a conocer sus últimas creaciones. Las exposiciones suelen ser colectivas y participan activamente varios miembros de la asociación, pero también realizan algunas exposiciones monográficas donde podemos conocer la obra de los artistas en particular. La asociación cuenta además con un amplio número de asociados entre los que pueden figurar y colaborar escritores, periodistas, historiadores, críticos, además de los propios artistas. Por si hay algún interesado, su cuota de inscripción es de 60 euros anuales, 45 para los estudiantes.
Desde el 31 de Marzo hasta el 5 de Mayo estará activa una exposición colectiva de Alterarte en las Salas del Edificio Multiusos da Xunqueira de Redondela.
A continuación haremos un recorrido por sus obras:
Pintura, algo de escultura y de dibujo…paisajes, retratos, más paisajes…vemos algún cuadro con intenciones modernas, pero el costumbrismo y la tradición priman en una exposición que parece haber perdido el sentido del tiempo, o que quiere cerrar los ojos a la época en la que vivimos. Recuperar la memoria, mirar de cerca lo propio y promocionar a jóvenes talentos dentro de la comunidad es una idea ambiciosa e interesante, pero parece que seguimos sin entender que la sociedad cambia, el arte crece y la cultura evoluciona. Defender una idiosincrasia no significa fijarnos en su pasado, si no mejorar su futuro dentro del presente, ir acorde a la época que nos ha tocado vivir.
La pintura y la escultura siguen existiendo porque han evolucionado, porque les han hecho evolucionar los artistas cuando han visto la necesidad de cambio. Y hablo de esta necesidad de cambio que no se me va de la cabeza cada vez que recuerdo la exposición. Estamos cansados de ver flores y bodegones, pinturas enmarcadas listas para colgar en el salón y paisajes costumbristas. Tenemos los mejores ejemplos a seguir en todo esto, tenemos a Monet, a los paisajistas del S. XIX, a Laxeiro en el panorama nacional, sabemos dónde tenemos que acudir para disfrutar de este tipo de arte. Personalmente no espero (ni suelo) encontrarme con esto cuando lo que pretendo es ver una exposición de arte actual.
En cuanto a los aspectos técnicos, no hay mucho que decir, un acabado correcto y un resultado visible y estético en la mayoría de los casos.
Sin entrar en el terreno individual de cada artista que aquí expone ni en el resto de las exposiciones colectivas de la asociación, me remito a esta muestra y no logro encontrar la chispa de interés que me impulse a volver a verla. Hay variación, es cierto, pintura abstracta, paisaje, escultura, incluso un guiño hacia la instalación pero no consigue decirme nada, me suena demasiado a repetido. Excepto excepciones, que alguna hay, la muestra se estanca en lo ya hecho, encuentro hasta cierto conformismo en lo bonito y lo decorativo.
No es necesario recurrir a la vieja escuela y a la tradición para difundir el arte y la cultura gallega, un error que se comete a menudo al pensar en ello como la única forma de conservar la historia. El arte es cambiante, enérgico, tiene que hacernos pensar, jugar con el espectador, conocer su juego. Y nosotros debemos ocuparnos de que así sea.
Estrella de Diego y Sergio R. Blanco vs Gabriel Orozco
Tras el descontento del artista mexicano con ciertas publicaciones de la crítica española Estrella de Diego y Sergio R. Blanco, Orozco se pone manos a la obra y escribe una carta a modo de respuesta.
Los artículos en cuestión fueron publicados en el suplemento El Ángel del periódico Reforma el 22 de noviembre del 2009. Podemos encontrar la reflexión de Estrella de Diego en http://salonkritik.net/09-10/2009/12/el_milagro_mexicano_estrella_d.php y la de Sergio Blanco en http://salonkritik.net/09-10/2009/12/orozco_el_secreto_de_su_exito_1.php además de su correspondiente contestación del artista.
Los dos críticos ven en Orozco un rebelde que aprovecha la coyuntura de ser latinoamericano, en un momento (primera mitad de los 90) en que el arte occidental buscaba novedad, otro tipo de manifestaciones. Me explico, se preguntan si el ser mexicano, el ser visto como una novedad exótica adoptado por la crítica anglosajona ha sido lo que lo ha catapultado a la fama(al menos en un principio) y no tanto algunas de sus piezas que incluso tachan de oportunistas. Apuntan que la suerte, el contacto con artistas y galeristas influyentes, un trabajo ajustado a los intereses del momento, en fin, el destino, llevaron a Orozco a donde está ahora.
El artista contraataca:
“El problema es que esos dos artículos deforman un poco la historia de mi carrera hasta llegar a especulaciones alarmantes, que no sólo no develan lo que llaman el “milagro” de mi éxito ni su verdadera circunstancia, sino que lo empañan con el vapor del hervor de su mala leche. Porque llegar a decir que la Caja de zapatos vacía o La piedra que cede puedan tener -en sus palabras- “excesos de complacencia con los discursos más institucionalizados, aquellos que se mueven en torno a parámetros colonialistas y en cierto sentido paternalistas” es a propósito equivocarse de artista.”
“Creo que es tiempo de decirles a los nuevos historiadores locales…Que lean con atención a los mejores críticos e historiadores del mundo, así como nosotros aprendimos de los mejores artistas.”
Podría continuar citando más detractores y otros tantos defensores (los mexicanos Guillermo Santamarina o José Manuel Springer) del artista, pero ello no nos lleva a ninguna parte. Siendo como sea, el artista es hoy en día considerado como uno de los creadores más importantes.
Hagamos un rápido repaso por su obra. El tiempo, el espacio, el azar y los objetos encontrados (reminiscencia del Ready made) son algunas de sus preocupaciones. Para expresarse emplea la pintura, la escultura…le interesa una mezcla entre lo urbano y lo órganico, el orden y el desorden. En ocasiones presenta proyectos muy atrevidos que siembran polémica (como la famosa Caja de zapatos vacía presentada en la Bienal de Venecia en el 93) y en otras apreciamos la minuciosidad de su trabajo. Aquí vemos algunas de sus piezas:
“Caja de zapatos vacía” 1993 “Pelota ponchada” (1993)
Black Kite (1997)
"My hands, my heart" "Arbol del Samurai" 2006
Después de haber visto algunas de sus obras y conocer su trabajo, ¿con quién nos quedamos con Estrella de Diego y Sergio R. Blanco o con los seguidores de Orozco? Con ninguno. Orozco dejó México y su arte para crear algo diferente, nuevo. Más allá de lo bello pretende mostrarnos una reinterpretación de las cosas y hacernos pensar. Pero no es el único, ni tampoco el más acertado, ni el más polémico. ¿Que su fama ha sido fruto de golpes de suerte y de estar en el momento adecuado en el lugar adecuado? ¿Por qué negarlo? Pero hay algo más ¿es por eso menos interesante su discurso? ¿Acaso es un inconveniente saber estar? Los críticos se equivocan, nos equivocamos, y los artistas también. Sucede cuando alguien tiene ideas y opiniones propias. Gabriel Orozco hace su obra, que nos puede gustar más o menos, pero si está ahí es por algo. Desde luego tiene trabajos mejores y otros peores, explora su terreno y se mueve con agilidad dentro de sus intereses. Aunque tampoco está demás que nos preguntemos si debería o no ocupar el puesto que ocupa, pero entonces necesitaríamos mucho tiempo para resolver el enigma, y hay que seguir buscando por otros lados.
